martes, 25 de diciembre de 2012

CORPSE BRIDE (La Novia Cadáver)


AÑO: 2005
DIRECCIÓN: Tim Burton, Michael Johnson
GUIÓN: John August, Caroline Thompson y Pamela Pettler
FOTOGRAFÍA: Pete Kozachik
B.S.O: Danny Elfman
PERSONAJES: Emily (novia cadáver), Victor Van Dort, Victoria Everglot, Nell Van Dort, William Van Dort, Lady Maudeline Everglot, Lord Finis Everglot, Lord Barkis, Pastor Galswells, Hildegarde, Emil, Mayhew, Elder Gutknecht, Bonejangles, Paul el camarero, Viuda negra, Gusano, Pregonero de la ciudad, General Bonesapart, Sra. Ciruela


¿SE PUEDE PARTIR UN CORAZÓN QUE HA DEJADO DE LATIR? 


Apenas unos meses después del éxito de Charlie y la fábrica de chocolate, el siempre imaginativo y excéntrico Burton, volvería a deleitarnos con esta fábula romanticamente macabra plagada de inconfundibles referencias:
* Folklóricas
* Literarias: Edgar Allan Poe, el Dr. Seuss (escritor y caricaturista estadounidense, conocido por libros infantiles como por ejemplo Cómo el Grinch robó la Navidad) o los cuentos de los hermanos Grimm.
* Cinéfilas: Desde El Gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920), las películas de terror de F.W. Murnau y James Whale, Roger Corman o los filmes de terror de la Hammer, hasta un divertido guiño a Lo que el viento se llevó.
* Artísticas: De las ilustraciones de Edward Gorey a las de Edward Burra (ante todo en cuanto a los cadáveres se refiere).


Basada en un cuento popular ruso de origen judío y oculta tras un velo de trágica fantasía espectral, La Novia Cadáver desprende una delicada y siniestra belleza, cual conmovedor poema de amor de ultratumba. No en vano, resultaría nominada con el Oscar a la Mejor Película de Animación, Oscar que finalmente le arrebató Wallace y Gromit: La maldición de las verduras
 

De este modo, Burton regresaría al cine de animación, desde que en 1993 produjera Pesadilla antes de Navidad, dirigida por Henry Selick y basada en la historia y personajes de Burton, película con la que inevitablemente muchos han intentado compararla debido a las similitudes entre ambas y por tratarse de su primer film animado mediante stop-motion.


Así, para que La Novia Cadáver  viera la luz, el director y su equipo trabajaron concienzudamente durante diez años con la tradicional stop-motion, una técnica de animación muy minuciosa que consiste en filmar cada uno de los movimientos de las figuras fotograma a fotograma (por ejemplo, para conseguir un parpadeo de la novia cadáver, los animadores debían realizar 28 tomas diferentes).


Y “¿para qué subir ahí cuando la gente se muere por bajar aquí?” pues sencillamente porque tal como dijeran los propios Alex McDowell y Nelson Lowry (diseño de producción y dirección artística respectivamente), el Más Acá o mundo de los vivos, debía ser “un sitio en el que no apeteciese vivir, aunque lo suficiente atractivo visualmente”. Por ese motivo, es un lugar lóbrego y grisáceo, sumido en permanentes tinieblas, tan deprimente como aburrido, donde reina la inhumanidad, la desconfianza o la melancolía y las personas actúan movidas por la represión o la codicia, la música es considerada inapropiada por resultar demasiado apasionada y una sonrisa supone todo un reto.


En cambio y paradojicamente, el Más Allá o mundo de los muertos, está plagado de vida y resulta ser un espacio alocado, carente de toda restricción y donde el  hedonismo por el propio hedonismo, no es un fin, sino un estado en si mismo, un reflejo divertido del mundo de los vivos en el cual incluso los edificios son alegres versiones en descomposición de los del Más Acá, como salidos de un tenebroso cuento de hadas.


En este sin par y fantástico derroche de ingenio con tintes poéticos Tim Burton logra, como si de un truco de magia se tratase, transformar a unos personajes ciertamente siniestros en los entrañables habitantes de un Más Allá tan pintoresco como colorista.


Mediante el emotivo guión, dotado de un lúgubre e irónico humor marca de la casa y con la colaboración de su inseparable Danny Elfman en la evocadora BSO que encaja a la perfección con cada una de las escenas, Burton nos demuestra una vez más que la muerte también puede resultar atractiva, cordial y risueña.


Así pues, dudo que a estas alturas alguien sea incapaz de sucumbir al embriagador y delicioso beso sanguinoliento que es La Novia Cadáver, tan dulce y cándida como un mágico ensueño de amor fantasmal.


SINOPSIS:


La historia transcurre en una villa ficticia durante el S. XIX, una especie de parodia de la Europa aristocrática. Un muchacho tímido e inseguro y una romántica damisela enamorada del amor, están a punto de contraer matrimonio por conveniencia de sus respectivas familias con la finalidad de solventar sus problemas económicos. Así, y aunque ambos jóvenes no se conocían hasta ese momento, no tarda en surgir el amor entre ellos. Mas el aciago destino les depara un siniestro cambio de planes: tras el malogrado ensayo pre-nupcial por parte del futuro consorte, éste se pospone y el novio huye al bosque avergonzado, donde mientras practica sus votos matrimoniales, desposa por error al cadáver de una desconsolada novia vilmente asesinada en su noche de bodas.


A partir de entonces, el desventurado pretendiente, se encuentra atrapado entre dos mundos que mantienen un versus irreconciliable, pero en los que descubre, pese a su recelo inicial, que la muerte en el inframundo tiene mucho más de vida que la propia vida. Algo realmente atractivo, aunque insuficiente cuando se trata del corazón, pues no existe nada en este mundo, ni en ningún otro, en ésta o en otra vida, que pueda separarle de su único y verdadero amor, aquel que todo lo puede y que logra uniones kármicas, porque cuando dos seres así se encuentran, es porque han estado unidos durante toda la eternidad...

  
ORÍGENES DE SU INSPIRACIÓN PARA EL CELULOIDE:


El cuento popular ruso titulado El dedo, cuyo origen puede remontarse al pensador Rabbi Isaac Luria de Safed, un místico del siglo XVI. En el cuento original, la novia en cuestión no es un cadáver, sino un demonio. En la adaptación ruso-judía del siglo XIX, una novia es asesinada en el día de sus nupcias y enterrada con su vestido. Al cabo del tiempo, un hombre de camino a su propio casamiento, ve el dedo sobresalir del suelo y cree que es un palo. A modo de juego, le pone la alianza de su novia y recita los votos. El cadáver emerge de la tierra y le toma por marido. La adaptación nació de los pogromos rusos anti-judíos (actos de gran violencia) del siglo XIX, cuando se decía que las mujeres jóvenes eran raptadas de sus carruajes y asesinadas de camino a sus bodas. El cuento suele acabar con los rabinos anulando el enlace y la novia viva prometiendo vivir su matrimonio en memoria del cadáver, parte de la tradición judía de honrar a los muertos a través de los vivos y sus acciones.


Los cuentos de terror-romántico europeos como la infernalmente espléndida Muerta enamorada, de Théophile Gautier o La Venus d' Ille, de Prosper Merimée, donde en lugar de un cadáver, hay una antigua estatua de Venus.


El poema de José de Espronceda conocido como El Estudiante de Salamanca, donde el donjuán de turno conquista a una noble dama y posteriormente la abandona. Ella muere de tristeza y más tarde, se aparece a su amado en forma de espectro para dirigirlo hacia un cementerio, donde éste asiste a su propio entierro rodeado de esqueletos que anuncian el enlace. “La vi, me amó, creció el juego, se murió. No es culpa mía.”.


La Enciclopedia de los Hermanos de la Pureza, narración islámica del S. X, contiene una anécdota árabe acerca de un príncipe que durante su banquete de bodas se marcha de su palacio y ebrío, pasa la noche en un cementerio confundiendo a un cadáver con su novia.

  
ANÉCDOTAS Y CURIOSIDADES:


Entre las numerosas películas de Tim Burton, figuran Beetlejuice (1988), Batman (1989), Eduardo Manostijeras (1990), Batman vuelve (1992), Pesadilla antes de Navidad (1993), Ed Wood (1994), Batman Forever (1995), Mars Attacks! (1996), Sleepy Hollow (1999), El planeta de los simios (2001), Big Fish (2003), Charlie y la fábrica de chocolate (2005) o Alicia en el país de las maravillas (2010), todas ellas diferentes entre sí, pero ingeniosas y con el inconfundible sello de Burton.


El film cobró vida en la mente de Burton cuando su amigo, Joe Ranft (doblador de dibujos animados), que murió repentinamente y a quien le dedicó la película, le sugirió la idea. Fue el propio Ranft quien le invitó a leer un pequeño fragmento de un viejo cuento folklórico en el que aparecía el personaje de la novia, el cual le fascinó.


El encargado del diseño de los personajes, fue el dibujante catalán Carlos Grangel, habitual colaborador de Steven Spielberg, con el que trabajó en El príncipe de Egipto (1998), Spirit (2002) o Madagascar (2005), y cuyo estudio idearía 60 de los 82 personajes que formaban parte inicialmente  de la película. Burton le mostró el guión y los distintos bocetos que él mismo dibujó con los personajes que vivían en su imaginación y Grangel desarrolló la idea.
Asimismo, Grangel también tuvo parte de “culpa” de que el director se inspirase en España para los caprichosos y divertidos escenarios del mundo de los muertos, tras descubrirle a Antonio Gaudí en una de sus visitas por Barcelona. Por este motivo, en el mundo de los vivos predominan los ángulos rectos, pero en el de los muertos, todo está un tanto descentrado y torcido, algo que refleja además la forma y personalidad de los diferentes personajes, los cuales influyeron en el diseño de los edificios, como si estos fueran caricaturas de los personajes que viven en ellos


Tal como explica A. McDowell, en el mundo de los vivos no existe una auténtica arquitectura victoriana, sino que tomaron la arquitectura de la Europa del Este de la República Checa y Polonia y la combinaron con la arquitectura victoriana inglesa.


Los protagonistas principales, están basados en dos de los actores fetiche de Tim Burton, ambos exactos a sus alter ego y encargados además de ponerles voz en la versión original: su musa y esposa, Helena Bonham Carter (Emily) y J. Depp (Víctor), quien trabajaba simultáneamente en La novia cadáver y en Charlie y la fábrica de chocolate (de hecho, muchas de las sesiones de doblaje, tenían lugar al final de un día de rodaje de Charlie y la fábrica de chocolate, cuando se quitaba su traje de Willie Wonka).


La novia cadáver  fue pionera en el empleo de cámaras fotográfícas digitales en lugar de las habituales cámaras para el rodaje de películas, todo un desafío técnico, como afirmó Kozachik.


En la película aparecen diversas referencias a otros films de Tim Burton:
Durante una escena, uno de los personajes confunde el nombre de Víctor con Vincent, primer corto de Burton animado con stop-motion que éste realizó en homenaje a su ídolo, Vincent Price. El parecido entre ambos personajes es impresionante.


Asimismo, el niño protagonista de otro corto de Burton, como es Frankenweenie (1984), se llama Victor. Tanto el nombre de Víctor, como el de Victoria, son una clara influencia de Frankenstein.  
El gusano que habita en el ojo de Emily, es un homenaje a Peter Lorre que Burton realiza a través de la voz y los movimientos de éste. Además, el susodicho gusano, tiene una apariencia similar a Beetlejuice.


En una escena de The Skeleton Dance (Ub Iwerks, 1929), el primer corto animado de las Silly Symphonies de Disney, un grupo de esqueletos baila al son de La Marcha de los Enanos del compositor noruego Edvard Grieg, adaptada por Carl W. Stalling. En La Novia Cadáver, Mr Bonejangles (basado en el ínclito bailarín Bill Robinson, también conocido como Bojangles) y su banda de esqueletos, bailan al ritmo de la música de Danny Elfman. Asimismo, el pianista que usa gafas oscuras, está inspirado en Ray Charles, incluso sus movimientos.


El perro cadáver que Víctor reencuentra en la tierra de los muertos, recuerda a Zero, el perro de Jack Skellington en Pesadilla antes de Navidad.


Cuando Lord Barkis se toma el vino envenenado tras la escena del duelo, es una clara alusión al momento cumbre del Hamlet de William Shakespeare.


Desde la primera, hasta la última escena de la película, aparece una mariposa azul, símbolo de la libertad que los protagonistas tanto ansían. De hecho, existe un cuento europeo en el que una dama brutalmente asesinada, renace en forma de mariposa.


MORALEJA: 

 
Vivimos en un juego de mágica ilusión ¿dónde comienza el sueño y dónde la realidad? Soñemos que alguien nos sueña y nuestra vida será un beso eterno, digna de ser degustada y bebida como si de una amante sedienta de Amor se tratase. Rompamos de una vez con las barreras y los límites impuestos hasta estrechar la alegría contra el corazón. Y si sentimos que un alma está demasiado ligada a la nuestra como para experimentar el menor estremecimiento, no aguardemos al momento de la separación perpetua para besar los labios de quien es dueño de nuestro Amor o éste acabará por estallarnos en nuestro corazón. Así, cuando la vida tenga a bien obsequiarnos con ese momento, reconoceremos que se puede amar mucho antes de haberse visto, y mientras buscamos por todas partes nuestro sueño, comprenderemos que existen miradas que nos transforman y que las frases que nos envían esos ojos, resuenan en el fondo de nuestro corazón como si una boca invisible las hubiera susurrado en nuestra alma. Al fin y al cabo, el Amor es más fuerte que la muerte, tan sólo hemos de sumergirnos en él para que tras vencerla, se obre la magia y resurjamos al final de nuestros días liberados como miles de unic... mariposas azules.

- THE END -


Link de interés: http://www.warnerbros.es/web/movies/corpsebride/viral/index.jsp

viernes, 30 de noviembre de 2012

EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES (Sunset Boulevard)


AÑO: 1950
DIRECCIÓN: Billy Wilder
GUIÓN: Billy Wilder, Charles Brackett, D. M. Marshman Jr.
B.S.O: Franz Waxman
REPARTO: William Holden (Joe Gillis), Gloria Swanson (Norma Desmond), Erich von Stroheim (Max von Mayerling), Nancy Olson (Betty Schaefer), Fred Clark (Sheldrake), Lloyd Gough (Morino), Jack Webb (Artie Green), Cecil B. DeMille, Buster Keaton, Hedda Hopper, Anna Q. Nilsson, H.B. Warner 


¡Han hecho una cuerda con las palabras y han ahorcado el cine! ¡Hay micrófonos para captar los últimos suspiros y tecnicolor para fotografiar la lengua ensangrentada! (Norma Desmond)


“Sí, esto es Sunset Boulevard, Los Ángeles, California. Son alrededor de las 5 a.m. Es la brigada de homicidios, completada con detectives y periodistas. Han informado de un asesinato en una de esas enormes casas de la manzana 10.000. Podrá leerse en las ediciones de la noche, lo dirán por la radio y se verá en la TV porque una vieja estrella está implicada, una gran estrella. Pero antes de que lo oigan tergiversado y magnificado, antes de que los columnistas de Hollywood empiecen a escribir, quizá quieran ver los hechos, los verdaderos. Si es así, han elegido bien. Ya ven que se ha encontrado el cuerpo de un hombre flotando en la piscina de la mansión con dos tiros en la espalda y uno en el estómago, nadie importante, un simple escritor de guiones con un par de películas de segunda clase en su haber. ¡Pobre tipo, siempre quiso una piscina! bueno, al final consiguió una, sólo que el precio, resultó ser un poco alto...”


De esta singular manera, y narrada por una voz en off que nos traslada a la escena del crimen, da comienzo Sunset Boulevard (también conocida como El Crepúsculo de los Dioses), una de las obras maestras más destacadas de la historia del cine. Lo insólito viene por quien protagoniza el relato, que no es otro que el propio asesinado el cual se halla flotando en la piscina, toda una innovación para la época. Aunque recurre al clásico flashback, tan propio del cine negro, mezcla también otros géneros como el terror, el drama, la comedia romántica o el cine cómico mudo. De hecho, cuando preguntaron a Billy Wilder si era una comedia negra, contestó: “No, sólo una película”.
No en vano, lograría once nominaciones a los Óscar, de los cuales obtuvo tan sólo tres (por considerársele incómoda para ciertos sectores de la academia): mejor dirección artística, mejor guión original y mejor BSO.


La cruda y realista historia, no lo es así por casualidad, sino que nace inspirada en el Hollywood de finales de los 40, donde gran parte de las mansiones de los años dorados del cine mudo, permanecían señoriales y procelosas al inexorable paso del tiempo. Muchas de ellas, continuaban habitadas por viejos mitos del cine mudo completamente desvinculados del mundo del celuloide. Billy Wilder comenzó entonces a preguntarse cómo serían sus vidas pasados los días de gloria y se imaginó la historia de una estrella olvidada por sus otrora fervientes seguidores.


Con una brillantez sin parangón, Wilder nos muestra los entresijos de la industria del cine en una especie de sátira entre bambalinas donde asoman los claroscuros de ese gigante que es Hollywood, capaz de prender o extinguir el titilante fulgor de una estrella. Así pues, no es de extrañar que el director decidiera omitir los detalles argumentales del film que estaba rodando, hasta el punto de otorgarle provisionalmente el título A Can of Beans, ¿o acaso por ingenuidad cabe pensar que la productora permitiría rodar un film dónde saliesen a relucir sus más velados secretos? Llegado el momento de su estreno y por motivos obvios, no recibiría precisamente la mejor de las acogidas por parte de una gran mayoría de la Meca del Cine. Tan es así, que hasta se cuenta que el ínclito Louis B. Mayer (magnate de la Metro Goldwyn Mayer), se dirigió a Wilder y le espetó: “¡Has desprestigiado a la industria del cine! ¡Has mordido la mano que te convirtió en alguien y te dio de comer! ¡Deberían alquitranarte, emplumarte y echarte de Hollywood!”. Según el testimonio del propio director, su respuesta simplemente estuvo a la altura...


Por último, cabe destacar las formidables interpretaciones por parte de los dos protagonistas, tanto de la histriónica y soberbia Gloria Swanson, como del cínico y más comedido Holden, en cuya  creación contribuyó especialmente el hecho de que el director comenzara su carrera como guionista durante la época del cine mudo, algo fundamental a la hora de dotar de una mayor verosimilitud a su personaje.


Llega la hora de subirse a la máquina del tiempo y trasladarse a la época en la que el cine sonoro comenzó a deleitar a los espectadores. Una sublime, a la par que macabra historia de celuloide, está a punto de empezar y su narrador promete emociones fuertes. Bienvenidos a la mansión de los muertos vivientes...


ARGUMENTO:
Nos encontramos en el Hollywood de los años 50. Un joven guionista de segunda, se refugia en la mansión de una antigua diosa del cine mudo, quien en un perpetuo delirium tremens, se niega a aceptar el crepúsculo de su carrera y sueña con un retorno triunfal a la gran pantalla. Con la excusa de corregir un pésimo guión que ella ha escrito y acuciado por un fuerte apego material, el escritor se ve sometido a los continuos caprichos y excentricidades de la diva. De este modo, lo que comienza siendo un espléndido plan para salir de los apuros económicos en los que se halla, acaba convirtiéndose en una auténtica tortura que le lleva incluso a perder la vida. 


ESCENAS MEMORABLES (¡ojo, spoilers!):
La simbólica escena en la cual la diva acude a los estudios de rodaje de DeMille y es “atacada” por un micrófono al que aparta con desprecio. Instantes después, un foco de luz es dirigido hacia ella, llamando la atención de las personas que se hallan en plató que la reconocen y rodean, colmándola de halagos y rememorando así sus gloriosos días de estrella.


El descenso final de Norma Desmond por las escaleras ataviada como Salomé que conlleva su tan anhelado reencuentro con las cámaras, simbolizando asimismo el declive de su vida.


Cuando Max recoge el velo del que se ha desprendido Norma mientras ésta baila con Gillis en la fiesta de Nochevieja. Momento en el cual comprobamos la veneración que el mayordomo profesa hacia la diva.


ANÉCDOTAS Y CURIOSIDADES:
1) Cecil B. DeMille, aparece interpretándose a sí mismo mientras dirige en los estudios Paramount el rodaje de una película. Realmente estaba rodando una película: Sansón y Dalila (1949). Además, se presenta ataviado tal como asistía a los rodajes: con botas de montar y fusta. Fue todo un detalle por su parte aceptar intervenir en la película... un detalle de 10.000 $ y un Cadillac. Cuando Billy Wilder le pidió un primer plano, DeMille solicitó otro “detalle” de 10.000 $.


2) El papel de Norma Desmond, fue ofrecido en un principio a Mae West (mito sexual de los años 30), Mary Pickford (la novia de América) y Pola Negri. Asimismo, para el rol de Joe Gillis, se pensó inicialmente en Montgomery Clift, Fred MacMurray, Gene Kelly o un joven y desconocido por ese entonces Marlon Brando.


3) El regreso de Gloria Swanson a la gran pantalla, una de las actrices más admiradas y con mayor talento del cine mudo, sería anunciado como el más importante en la historia del séptimo arte. Por eso, cuando entra en los estudios Paramount como Norma Desmond y afirma que “de no ser por ella, no habría estudios Paramount”, no podía tener más razón, dada su exitosa trayectoria durante los años 20. Además, reunía ciertos paralelismos con su personaje, ya fuese por la cantidad de cartas de admiradores que recibía asiduamente, por el hecho de que hubiese vivido en un barroco palacio durante varios años o por su incapacidad para adaptarse a la llegada del cine sonoro, aunque a diferencia de Norma Desmond, Gloria Swanson aceptaría con naturalidad el fin de su carrera cinematográfica, y durante los años 30 y 40, comenzaría una nueva singladura, primero en radio y luego en televisión, con un espacio semanal denominado The Gloria Swanson Hour. Incluso las fotografías de Norma Desmond que aparecen por cada rincón de su mansión, son instantáneas auténticas de la colección de la actriz.


4) Erich von Stroheim, fue uno de los directores de cine mudo más importantes y polémicos de la época. Los excesos económicos debidos al largo metraje de sus películas (Avaricia, entre otras), le convirtieron en el primer director despedido de la historia. Más tarde, destacaría como actor en La gran ilusión, de Jean Renoir o en Cinco tumbas al Cairo, también de Billy Wilder.


5) El veterano Franz Waxman, artífice de la BSO de algunos de los filmes de Alfred Hitchcock, compondría además la BSO de otras cinco películas dirigidas por Billy Wilder, entre ellas, la ópera prima del director, Curvas peligrosas, de 1934. Wilder le recordaría junto a Miklós Rózsa, como su compositor cinematográfico predilecto. En referencia a Sunset Boulevard, Wilder tenía intención de incluir Salomé, de Richard Strauss en los planos finales (cuando Norma desciende por las escaleras caracterizada como tal), pero finalmente rehusó esta idea debido al alto coste económico y decidió probar con una composición original de Waxman, mezcolanza precisamente de La danza de las siete velos. El genial compositor, presenta además a una Norma Desmond en forma de tango, ejemplo de su naturaleza, y a la relación entre Joe y Betty, como un romántico vals.


6) Tan sólo estaba escrito un tercio del guión cuando comenzó oficialmente el rodaje, el 18 de abril de 1949, y Wilder ni siquiera tenía claro el final de la película.


7) La avenida que da nombre al film, está estrechamente ligada al mundo del cine desde 1911, fecha en que el primer estudio cinematográfico de la ciudad abrió sus puertas.


8) El prólogo original de la película, incluía una escena que tenía lugar en el interior de un depósito de cadáveres, donde Joe Gillis conversaba con el resto de fallecidos acerca del modo en que habían acabado con sus huesos en ese lugar. Sin embargo, durante el preestreno el público reaccionó riéndose, lo cual determinó a Billy Wilder a eliminar esa escena. Según comentara él mismo, tras uno de los pases previos una anciana llegó a preguntarle si “había visto una mierda semejante en su vida”, a lo que él respondió: “francamente, no”.


9) Para lograr que la secuencia inicial del cadáver flotando en la piscina, se asemejara a la contemplada desde el punto de vista de un pez (deseo expreso de Wilder), se inspiraron en una revista de pesca y emplearon un gran espejo instalado en el fondo de un tanque de agua portátil. El plano se filmaría directamente del reflejo del espejo y desde una pasarela situada encima del agua. El inconveniente fue que para conseguir una máxima nitidez de la imagen, era necesario que el agua estuviese a una temperatura aproximada de 5º C.


10) Los amigos de Norma que acuden a su casa para jugar al bridge, a los que Joe Gillis llama estatuas de cera, son en realidad estrellas del cine mudo: Anna Q. Nilsson, H. B. Warner y Buster Keaton (quien corrió una suerte similar a la de Norma Desmond cuando irrumpió el cine sonoro, aunque a diferencia de ella, intentó adaptarse a los nuevos tiempos sin demasiada fortuna). Aparece también la antaño periodista de cotilleos Hedda Hopper interpretándose a sí misma al final de la película cuando informa acerca del asesinato.


11) Para la película que aparecen viendo Joe y Norma en la mansión, se emplearon secuencias reales de La reina Kelly, protagonizada por la propia Gloria Swanson en 1928 y dirigida por su “mayordomo”, von Stroheim. El rodaje del susodicho film, financiado por Joseph P. Kennedy (padre del futuro presidente de EEUU y amante de Gloria Swanson), resultó bastante controvertido, Stroheim despedido y el film acabado por otros realizadores. Asimismo, la imitación de C. Chaplin que Swanson realiza, es igual a la que interpretó en The Masquerade (Dave Fleischer, 1924).


12) La cama en forma de cisne donde duerme Norma Desmond, perteneció a la legendaria bailarina Gaby Deslys, fallecida en 1920. Tras la muerte de ésta, fue adquirida por el departamento de atrezzo de la Universal. Esta misma cama aparece en El fantasma de la ópera.


13) El guión que escriben Joe y Betty y que recibe el nombre de Historia de amor sin título, también existió en realidad, aunque escrito por Billy Wilder junto con Max Kolpé, y titulado The Blue from the Sky.


14) Ésta sería la última colaboración entre Billy Wilder y Charles Brackett, conocidos irónicamente como la pareja más feliz de Hollywood. El circunspecto y politicamente correcto Brackett, suponía para Wilder el contrapunto responsable y equilibrado que a éste le faltaba. Ellos serían precisamente los encargados de recorrer Sunset Boulevard en busca de la casa perfecta para su película. Y finalmente la encontraron: una mansión conocida como la casa fantasma, vivienda del antiguo cónsul de USA en México. No obstante, le faltaba algo imprescindible: la piscina, por lo que hubo de construirse una para el rodaje. Aquella misma mansión junto a esa piscina por donde correteaban James Dean y Sal Mineo, aparecería a posteriori en Rebelde sin causa (Nicholas Ray, 1955), aunque en 1957 sería demolida.


15) Existen otras obras que poseen ciertas analogías con el film de Billy Wilder, como son Mulholland Drive, de David Lynch (tanto por su inicio en el que aparece un coche en Los Ángeles y un letrero en primer plano, como por la similitud de su argumento o la protagonista del film, que coincide en nombre y personalidad con el personaje de Betty Schaefer), Misery, de Rob Reiner (basada en la novela homónima de Stephen King), American Beauty (Sam Mendes) o la genial serie televisiva A dos metros bajo tierra (Alan Ball).


MORALEJA:
Tal como dijo Hesíodo, la fama es peligrosa, su peso es ligero al principio, pero se hace cada vez más pesado el soportarlo y difícil de descargar o dicho de otro modo: Los pájaros cantaron al hacerse de día, “empieza de nuevo”, oí que decían. No pierdas el tiempo pensando en lo que ya pasó o en lo que aún no ha pasado. Tañe las campanas que aún pueden repicar, olvídate de tu ofrecimiento perfecto. Todo tiene una grieta, así es como entra la luz. (Leonard Cohen)


“La vida, que puede ser piadosa, había tenido compasión de Norma. El sueño al que se aferraba desesperadamente la había envuelto...” (Joe Gillis)

- THE END -